Dan Flavin war ein einflussreicher amerikanischer Künstler, ein Pionier des Minimalismus und der Verwendung von Licht als Medium. Er schuf ein außergewöhnlich konsequentes und produktives Œuvre und hinterließ ein bedeutendes und dauerhaftes Erbe, das den Verlauf der Kunst des 20. Jahrhunderts veränderte.

1933 wurde Daniel Nicholas Flavin Jr. in Queens, New York, in eine irisch-katholische Familie geboren. Er wurde gezwungen, sich im Priesterseminar der Unbefleckten Empfängnis in Brooklyn auf das Priesteramt vorzubereiten. Er erinnerte sich: „Schon bald wurde mir die Religion aufgezwungen, um jeglichen kindlichen Ausdrucksoptimismus, der mir vielleicht noch geblieben war, zu unterdrücken“¹. Danach trat er mit seinem Zwillingsbruder David in die meteorologische Abteilung der US-Luftwaffe ein. Während seines Militärdienstes entwickelte Flavin ein Interesse an Kunst, das er im Rahmen eines Studienprogramms der University of Maryland in Korea verfolgte. Nach seiner Rückkehr nach New York im Jahr 1956 setzte Flavin seine Leidenschaft fort: Er besuchte die Hans Hofmann School of Fine Arts, studierte Kunstgeschichte an der New School for Social Research und schloss sein Studium schließlich an der Columbia University mit einem Kurs in Malerei und Zeichnung ab.

Flavins frühe Arbeiten spiegeln sein Interesse am abstrakten Expressionismus wider. Ab 1959 begann er, Collagen aus auf der Straße gefundenen Gegenständen – vor allem zerdrückten Konservendosen – zusammenzustellen und zu gestalten. Zu dieser Zeit arbeitete der junge Künstler als Poststellenmitarbeiter im Guggenheim Museum, wo er den Künstler Sol LeWitt, die Kritikerin und Kuratorin Lucy Lippard, den minimalistischen Maler Robert Ryman und die Kunsthistorikerin Sonja Severdija kennenlernte – letztere heiratete er zwei Jahre später. 1961 stellte er seine erste Einzelausstellung mit Collagen und Aquarellen in der Judson Gallery in New York aus. Im selben Sommer, während er am Naturkundemuseum arbeitete, begann Flavin, Skizzen von Skulpturen aus elektrischem Licht anzufertigen. Im selben Jahr überführte er diese Skizzen in Assemblagen, die er „Icons“ nannte: acht monochrome Gemälde, die von Glühbirnen umrahmt waren – eines davon gewidmet seinem Bruder David, der kürzlich verstorben war. Die Anspielung auf Ikonen ist sinnbildlich für sein Werk: eine unermüdliche konzeptuelle Auseinandersetzung mit Raum und Licht. „Ich mag Kunst als Gedanke lieber als Kunst als Arbeit“, sagte er, „ich habe das immer vertreten. Es ist mir wichtig, dass ich mir nicht die Hände schmutzig mache. Nicht, weil ich von Natur aus faul bin. Es ist eine Aussage: Kunst ist Gedanke.“²

Ab 1963 arbeitete Flavin ausschließlich mit industriell gefertigten Leuchtstoffröhren, die er je nach Installation unterschiedlich arrangierte. Er verwendete lediglich sechs Farben: Rot, Gelb, Blau, Grün, Rosa und Ultraviolett sowie vier Weißtöne: Kaltweiß, Warmweiß, Tageslichtweiß und Softweiß. Seine Hinwendung zu einfachen Formen, der Einsatz industrieller Materialien und die symbolische Bedeutung seiner Werke verbanden seine Praxis mit der von Donald Judd und Sol LeWitt. In den 1960er-Jahren experimentierte Flavin intensiv mit Licht, Farbe und Raum. Dabei wandte er sich von der Atelierproduktion ab und weigerte sich, seine Arbeiten als „Werke“ oder „Skulpturen“ zu bezeichnen – stattdessen nannte er sie lieber „Vorschläge“ oder „Installationen“. Meist betitelte Flavin seine Arbeiten mit Untitled und ergänzte eine Widmung in Klammern – wie bei den berühmten Monuments for V. Tatlin, eine Hommage an den russischen Maler, Bildhauer und Architekten Wladimir Tatlin. Ab 1970 begann Flavin, für seine Arbeiten Zertifikate auf Millimeterpapier auszustellen, die Diagramme, schriftliche Beschreibungen und seine Unterschrift enthielten. Ziel war es, die Werke zu schützen und deren sorgfältige Behandlung zu fördern.

Ende der 1970er-Jahre ging der Künstler eine Partnerschaft mit der Dia Art Foundation ein, aus der mehrere dauerhafte ortsspezifische Installationen hervorgingen. Diese Zusammenarbeit mündete später in die Organisation der Wanderausstellung Dan Flavin: A Retrospective (2004–2007). Flavin konzentrierte sich in dieser Phase auf großformatige ortsbezogene Installationen an außergewöhnlichen Orten, etwa in der spiralförmigen Rotunde von Frank Lloyd Wright im Guggenheim Museum oder in einem umgebauten Bahnhof aus dem 19. Jahrhundert in Berlin, dem heutigen Museum für Gegenwartskunst. Trotz des größeren Maßstabs blieben die Materialien, die Ästhetik und die konzeptuelle Tiefe seiner frühesten Lichtversuche deutlich erkennbar.

Dan Flavin starb am 29. November 1996 in Riverhead, Long Island, New York. Zum Zeitpunkt seines Todes waren viele geplante Arbeiten weder ausgeführt noch zertifiziert; der Flavin-Nachlass entschied, keine Werke zu autorisieren, die nicht zu Lebzeiten zertifiziert worden waren. Einige Installationen wurden posthum realisiert, darunter das beeindruckende Werk in der Chiesa di Santa Maria Annunciata in Mailand. Flavin gilt bis heute als einer der einprägsamsten und innovativsten Künstler seiner Zeit, und seine Installationen sind zu Ikonen des Minimalismus geworden.

¹ Dan Flavin, „… in daylight or cool white.” Ein autobiografischer Entwurf (to Frank Lloyd Wright who once advised Boston’s “city fathers” to try a dozen good funerals as urban renewal), Dan Flavin: The Complete Lights, 1961–1996, 2004, S. 189.
² Dan Flavin im Interview mit Phyllis Tuchman, Dan Flavin: A Retrospective, 2004, S. 194.